CaixaForum Madrid presenta una exhaustiva radiografía del artista pop por excelencia a partir de 348 piezas, incluyendo sus obras más icónicas

Treinta años después de su muerte, Andy Warhol (1928-1987) es el artista más asociado al lenguaje pop. La exposición que presenta la Obra Social ”la Caixa” junto al Museo Picasso Málaga pretende abordar la compleja producción del artista nacido en Pittsburgh (Estados Unidos), poniendo especial énfasis en las transmutaciones que experimenta el conjunto de su legado durante su carrera. Además de dar a conocer al artista a una nueva generación de público en nuestro país, la muestra pone el acento en la naturaleza repetitiva, esquematizante y artificiosa de su trabajo visual durante más de tres décadas de febril actividad creadora. Andy Warhol. El arte mecánico incluye los iconos más emblemáticos y universales del mundo creado por Warhol: la lata de sopa Campbell’s, los retratos de Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Elvis Presley o Liz Taylor, pero también cine experimental, como sus Screen Tests o la legendaria instalación multimedia concebida con la banda de música The Velvet Underground. La muestra está formada por un total de 348 piezas entre pinturas, esculturas, dibujos, serigrafías, instalaciones, libros de artista, películas, portadas de discos, pósteres, revistas, objetos y material fotográfico. Proceden de más de 30 prestadores —entre los que destaca el Museo Andy Warhol de Pittsburgh, que alberga la mayor colección de obras de arte y materiales de archivo de Warhol— y permitirán a los espectadores sumergirse en el fascinante mundo de imágenes sofisticadas y universales de Warhol.

La directora general adjunta de la Fundación Bancaria ”la Caixa”, Elisa Durán, y el director artístico del Museo Picasso Málaga y comisario de la exposición, José Lebrero Stals, han presentado esta mañana en CaixaForum Madrid Warhol. El arte mecánico, la más ambiciosa y completa muestra organizada en nuestro país sobre el artista pop norteamericano.

Andy Warhol. Campbell’s Soups Can I, 1968. FRAC Borgoña, Dijon.

© 2017 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / VEGAP, Barcelona

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Dentro de su programación cultural, la Obra Social ”la Caixa” presta una atención preferente a las manifestaciones artísticas más contemporáneas, las propias de los siglos XX y XXI. Mediante sus exposiciones sobre arte moderno y contemporáneo, así como cine y fotografía, la Obra Social ”la Caixa” quiere mostrar la influencia de estas disciplinas en la sensibilidad contemporánea y destacar el papel de los grandes creadores visuales del siglo XX en nuestra forma de ver el mundo. Con esta finalidad, ha organizado exposiciones dedicadas a grandes nombres asociados a la cultura popular, como son, en el campo de la fotografía, Philippe Halsman, cineastas como Federico Fellini o proyectos como el dedicado a Salvador Dalí y sus vínculos con la cultura de masas.

 

En esta ocasión, la Obra Social ”la Caixa” presenta, en colaboración con el Museo Picasso Málaga, una gran retrospectiva sobre la figura de Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 – Nueva York, 1987), sin duda el artista más asociado en la actualidad al arte pop.

 

La muestra llega a CaixaForum Madrid tras su paso, con enorme éxito, por CaixaForum Barcelona entre septiembre y diciembre de 2017. Fue visitada por más de 228.000 personas. Tras su finalización en Madrid, la muestra recalará en el Museo Picasso Málaga.

 

En CaixaForum Madrid, la muestra cuenta con un total de 348 obras de arte y todo tipo de productos diseñados y editados, la muestra cuenta con la colaboración del Andy Warhol Museum (Pittsburgh), el Museum of Modern Art (Nueva York), el Centro Georges Pompidou (París) y la Tate (Londres), entre otras numerosas instituciones públicas y colecciones privadas nacionales e internacionales.

 

Para su paso por CaixaForum Madrid, la exposición incorpora cuatro obras que no se pudieron ver en Barcelona: Single Elvis (1964); Most Wanted Men No. 1, (1964); Self-Portrait, (1966); y el vestido The Souper Dress (1967).

 

José Lebrero, director artístico del Museo Picasso Málaga, es el comisario de la muestra. Desde 1996 hasta 2002, Lebrero fue conservador jefe del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), y en 2003 fue nombrado director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) en Sevilla, cargo que ocupó hasta su nombramiento como director artístico del Museo Picasso Málaga, en 2009.

 

Warhol. El arte mecánico propone un completo y poliédrico recorrido que permite seguir el desarrollo creativo de este excepcional artista, desde sus inicios como incipiente diseñador gráfico comercial en la ciudad de Nueva York, en los años cincuenta, hasta su muerte en 1987, convertido ya en un mito universal.

La muestra subraya varios aspectos de su obra, como por ejemplo la innovadora forma en que Warhol aplica la idea de proceso a su polifacética obra seriada, los fuertes vínculos entre biografía personal y producción artística que la atraviesan y, por supuesto, su originalidad y talento para combinar de un modo transversal y cíclico diferentes técnicas, medios y repertorios iconográficos. De esta forma crea representaciones que son al mismo tiempo canónicas, por formar parte de la historia oficial del arte occidental, y simbólicas, por haberse insertado en el imaginario colectivo popular contemporáneo.

Andy Warhol, Pistola, 1981. Collection of the Andy Warhol Museum, Pittsburgh. © 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. /

VEGAP

La exposición incluye pinturas, esculturas, dibujos, serigrafías, instalaciones audiovisuales, libros de artista, películas, portadas de discos, pósteres, revistas, objetos y material fotográfico y sonoro, que acercan a los espectadores al mundo underground surgido en los inicios de la segunda mitad del siglo XX en Nueva York, cuando Warhol funda su legendario estudio, The Silver Factory.

Están representadas en la muestra todas las etapas del artista, desde sus primeros dibujos en la década de los cincuenta, pasando por muchas de sus creaciones más icónicas —Before and After (1961), Three Coke Bottles (1962), Brillo Soap Pads Box (1964-1968), Gold Marilyn (1962), Liz (1963), Mao (1973), Cow Wallpaper [Papel pintado con vacas] (1966) y un largo etcétera—, hasta el autorretrato de gran formato de 1986, que da la bienvenida a los visitantes en la entrada a la exposición.

También se ha querido hacer especial énfasis en algunas de las más emblemáticas instalaciones de Warhol, como el espacio que acoge las Silver Clouds, realizadas en un material reflectante experimental,  fabricado especialmente para el Programa Espacial de la NASA, y que evocan la ligereza de los cielos y la ingravidez del espacio exterior. También se exhibe Exploding Plastic Inevitable, el extravagante espectáculo que incluía actuaciones con The Velvet Underground and Nico y que resultó una auténtica explosión conceptual de sonido y movimiento.

Andy Warhol, Jackie. 1964. Collection of the Andy Warhol Museum, Pittsburgh. © 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / VEGAP

 

Asimismo, se ha querido incluir un espacio de documentación – procedente de la Colección de Paul Maréchal (Canadá), que recoge multitud de colaboraciones de Warhol para portadas de discos, carteles, anuncios, libros o televisión. Por último, la exposición presenta una sección única de retratos fotográficos del artista realizados por otros artistas, como Dennis Hopper, Philippe Halsman, Duane Michals, Robert Mappelthorpe, Steve Schapiro, Stephen Shore, David Gahr, Santi Visalli y Peggy Jarrell Kaplan.

 
Un arte paradójicamente poético en su aparente impersonalidad

La exposición parte de los inicios profesionales de Warhol en la Nueva York de 1949, cuando Andrew Warhola empezaba una exitosa carrera como diseñador gráfico para revistas como Glamour, Vogue o Harper’s Bazaar, grandes sellos discográficos como Columbia Records o Prestige Records, e importantes marcas comerciales como Tiffany & Co.

 

Coleccionista empedernido, Warhol también demostró pronto un marcado interés por el arte contemporáneo, que triunfaba por aquel entonces en la

ciudad. No tardó en abordar como artista el mundo de las galerías de arte, consagrándose como el artista pop por excelencia en torno a 1960-1961. Lo hizo estetizando productos de consumo, como sus célebres series de las sopas Campbell’s, o transformando en grandes iconos del arte contemporáneo a los mitos del cine de la época, como Marilyn Monroe o Liz Taylor.

 

El singular punto de encuentro que representó la Silver Factory se convirtió en un laboratorio cultural experimental, a la vez que sede de un nuevo tipo de empresa cultural. Fue el escenario para desarrollar sus radicales proyectos cinematográficos o sus trabajos multimedia como productor musical.

 

Tras superar un intento de asesinato en 1968, Warhol cambió de táctica creativa y se convirtió a sí mismo en personaje. Trasladó la sede de sus operaciones comerciales y estéticas a The Office, un espacio más burgués y ordenado logísticamente. Superada la muerte, se convirtió en un artista- empresario: dirigió la revista Interview, pintó retratos de famosos y respondió a todo tipo de encargos comerciales, hasta su inesperado fallecimiento.

La muestra focaliza la atención en la innovadora forma en que Warhol recoge y actualiza para su tiempo las invenciones industriales del siglo XIX. Usa todo tipo de técnicas y de máquinas, desde la serigrafía hasta la grabadora de vídeo, dando importancia a la edición como principio esencial en su obra, con patrones productivos que él mismo definía como «propios de una cadena de montaje». Por eso llegó a calificar su obra como de arte mecánico, aparentemente impersonal. Así cortocircuitaba la tentación de otorgarle una carga de espiritualidad intencional que cínicamente no quería que se le atribuyera. El silencio nihilista de Warhol, en una obra espectacularmente visual como la suya, es de hecho, y paradójicamente, uno de los factores que dan altura poética a su trabajo.

La Noche de Warhol

Como es habitual, a partir de la muestra Warhol. El arte mecánico, la Obra Social ”la Caixa” despliega un amplio programa de actividades para todos los  públicos, que incluye la Noche de Warhol. El próximo 13 de abril, el foyer de CaixaForum Madrid recreará el mítico ambiente que se vivía en The Factory, invitando a artistas y músicos a participar en un evento que pretende superar el entretenimiento para erigirse en agitador cultural. Varios artistas visuales llevarán a cabo performances en una escenografía especialmente creada para la ocasión que también contará con una programación musical propia.

Alguna obras comentadas

Unidentified Male [Varón sin identificar], c. 1957

Grafito, imitación de pan de oro y tinta sobre papel Strathmore The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

 

A principios de 1962, el compañero y amigo Art Kane fotografió a Warhol como parte de una campaña publicitaria para Harper’s Magazine, en la que el artista aparecía con la cabeza y los hombros pintados en dorado. En el recuadro hacía referencia al imperecedero atractivo del color: «Veo a Andy como un griego del siglo IV a. C. Es tan clásico como la pintura dorada que tanto le gusta usar. […] Ahí está Andy, una escultura griega, un personaje antiguo en un mundo atómico». Sin duda, Kane estaba pensando en los dibujos de calzado dorado y los efebos que Warhol produjo en los años cincuenta. Warhol, en su viaje a Asia en 1956, quedó fascinado por el uso del pan de oro en las esculturas budistas y en las piezas de mobiliario de Japón y Tailandia, una experiencia que dio lugar a los numerosos dibujos dorados que realizó a su regreso. Los retratos dorados como Unidentified Male se crearon al margen de los intereses comerciales de Warhol, y apuntan a una nueva visión crítica y a un afán de reconocimiento no solo en el mundo de la moda y el diseño, sino también en el del arte contemporáneo.

 

3-D Vacuum [Aspiradora 3-D], 1961 Caseína sobre lino

The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

 

3-D Vacuum era parte de una serie de obras tempranas que Warhol realizó basándose en imágenes impresas procedentes de las secciones de anuncios de periódico. Además de aspiradoras, Warhol pintó imágenes de calentadores de agua, televisores, neveras, cazuelas y otros electrodomésticos. Aunque no se trataba de lujosas prendas de vestir de diseño, zapatos o joyería cara, los enseres domésticos de uso cotidiano de Warhol considerados en bloque formaban parte integrante del antiguo concepto que la clase trabajadora tenía del «sueño americano». En la era posbélica, los estadounidenses aspiraban a poseer aquellos objetos para su comodidad personal y doméstica, y eran alentados a ello como parte de su deber patriótico para contribuir a reactivar la economía de posguerra estadounidense.

Before and After [2] [Antes y después (2)], 1961 Caseína y lápiz sobre lino

The Museum of Modern Art, Nueva York. Donación de David Geffen, 1995

Andy Warhol, Before and After, 1961. The Museum of Modern Art, Nova York. Donación de David Geffen, 1995. © 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / VEGAP

Before and After no solo destaca la frívola obsesión de la sociedad estadounidense por la apariencia física, sino también conceptos consagrados sobre la belleza   «ideal».   Los   efectos   del   «antes»   y   el

«después» están claros: se han eliminado las supuestas imperfecciones para ajustarse al estereotipo de una mujer anglosajona blanca. El tema de Before and After tenía un significado personal para Warhol: su aspecto físico le supuso una enorme preocupación a lo largo de su vida, que le condujo a utilizar con asiduidad productos cosméticos y a someterse a tratamientos de colágeno. Warhol también empezó a utilizar un postizo  en  los  años  cincuenta,  y  sus  numerosas

 

pelucas se convirtieron en un elemento fundamental de su identidad desde principios de los años sesenta. Incluso se operó la nariz en 1957: se sometió a un procedimiento estético para realzarla, conocido en medicina como rinoplastia, que suele consistir en la corrección del cartílago y el hueso nasales o en la adición de tejido.

 

Three Coke Bottles [Tres botellas de Coca-Cola], 1962 Tinta de serigrafía y lápiz de grafito sobre lino

The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

Andy Warhol, Three Coke Bottles, 1962. Collection of the Andy Warhol Museum, Pittsburgh. © 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / VEGAP

 

La botella de Coca-Cola, al igual que el billete de un dólar, era algo omnipresente, producido en serie y, a la vez, un artículo típicamente estadounidense. También era un tema arquetípico del arte pop: un bien fungible que presenta homogeneidad, estabilidad y cierta democracia entre clases sociales y generaciones. En palabras de Warhol: «Todo el mundo posee una parte de la Coca-Cola. Lo genial de este país es que Estados Unidos inició esa tradición en la que los consumidores más ricos compran, en esencia, las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ves una Coca-Cola, y sabes que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y, si lo piensas, tú también puedes beber Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola, y no existe una cantidad de dinero capaz de brindarte una Coca- Cola mejor que la que está bebiendo el mendigo de la esquina. Todas las Coca-Colas son iguales y todas las Coca- Colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el mendigo lo sabe y tú lo sabes».

S&H Green Stamps [Cupones S&H verdes], 1962 Tinta de serigrafía sobre polímero sintético sobre lienzo

The Museum of Modern Art, Nueva York. Donación de Philip Johnson, 1998

 

En la obra de Warhol destacan las cualidades de la reproducción mecánica, la repetición y la serialización, y se plantean interrogantes sobre la autoría, la originalidad artística y el concepto de «reproducibilidad» infinita (un término de Walter Benjamin). En S&H Green Stamps, el uso de sellos de goma estampados una y otra vez sobre el lienzo no solo aplana sus formas y el espacio pictórico en general, sino que también realza todo el proceso de repetición. Las despersonalizadas producciones de Warhol —aparentemente, a años luz de distancia de la pura pintura de Rothko, Newman y Pollock— se hacen eco, no obstante, del debate contemporáneo en torno a los minimalistas «campos de color» de la abstracción estadounidense. Los cupones verdes, que ocupan toda la pared, sugieren una forma alternativa de abstracción: son cupones-descuento de un programa de fidelización, dinero «falso» que los consumidores norteamericanos utilizaban para equipar sus hogares con electrodomésticos y otros artículos de consumo.

 

Brillo Soap Pads Box [Caja de estropajos Brillo], 1964-1968 Tinta de serigrafía y polímero sintético sobre madera contrachapada Museu Coleção Berardo, Lisboa

 

Warhol elegía sus objetos por la facilidad de reconocerlos. Desprovista de verdaderos estropajos Brillo y convertida en «arte», esta obra de Warhol evoca conceptos relacionados con el carácter omnipresente del cartón, en sus palabras, «desechable y parte del modo de vida itinerante de los estadounidenses. Era el envase preferido para enviar y almacenar libros, vajillas o ropa, o para traer unos gatitos a casa. Era lo que todo el mundo tiraba». En cierto sentido, las Brillo Boxes [Cajas de Brillo] de Warhol reiteran la intención de Duchamp de cuestionar el «arte», pero, a diferencia de sus ready-mades, fueron fabricadas por asistentes de Warhol en su estudio, The Factory, de un modo más o menos parecido a una cadena de montaje. Como él mismo decía, «el arte como negocio es el paso siguiente al Arte. Yo empecé como artista comercial y quiero acabar como artista de negocios […] ganar dinero es arte y trabajar es arte y los buenos negocios son el mejor arte».

 

Gold Marilyn [Marilyn dorada], 1962

Tinta de serigrafía sobre polímero sintético sobre lienzo Colección Froehlich, Stuttgart

 

En sus primeros años como artista pop, Warhol no solo se apropió de imágenes de productos manufacturados, sino que también saqueó las revistas populares de cine y los periódicos sensacionalistas, especialmente Teen Stars Album y el Daily News, para crear retratos de iconos de la gran pantalla, de rasgos y nombres tan reconocibles como cualquier logotipo comercial, envoltorio o producto fabricado en serie. Las técnicas de fotoserigrafía más modernas permitieron a Warhol seguir explorando el concepto de reproducción y serialización de imágenes, temas que utilizaría a lo largo de toda su carrera. Una de las primeras y numerosas versiones que Warhol creó de Marilyn Monroe es la serie denominada Gold Marilyn, de 1962. En la prensa estadounidense, la muerte de la actriz fue objeto de gran sensacionalismo: la primera plana del New York Daily Mirror anunció, el 6 de agosto de 1962:

«Marilyn Monroe se suicida / Hallada desnuda en la cama / La mano en el teléfono / Se tomó 40 pastillas». La inestable vida privada de Monroe atraía la atención de la opinión pública, pues la actriz sufría episodios de enfermedad mental y drogadicción. Flotando sobre un emblemático fondo dorado, Gold Marilyn se asemeja a los iconos religiosos que vemos en las iglesias ortodoxas por toda Europa oriental. Las creencias espirituales de Warhol y su pasión por Hollywood unen los iconostasios de la Iglesia católica bizantina con la veneración de las celebridades modernas.

 

Liz, 1963

Tinta de serigrafía y pintura acrílica sobre polímero sintético sobre lienzo Colección Froehlich, Stuttgart

 

La muerte y el desastre adoptaron expresiones diversas en la obra de Warhol, pero a menudo aparecían en forma de retratos. A principios de los años sesenta, la mayoría de personas que Warhol pintaba eran figuras conocidas, casi todas ellas estrellas de cine o famosos, especialmente Marilyn Monroe, Jackie Kennedy y Elizabeth Taylor. Warhol las eligió no solo por su fama e instantánea familiaridad, sino también porque estaban tocadas, de algún modo, por el fantasma de la muerte. En una entrevista concedida en 1963, Warhol comentó sobre sus pinturas de Liz: «Las empecé hace mucho tiempo, cuando ella estaba tan enferma que todo el mundo pensaba que se iba a morir». Warhol dijo que no fue consciente de estar tratando el tema de la muerte hasta después de pintar sus Marilyns y otros retratos similares. De hecho, utilizó la imagen de Taylor en sus obras más que la de cualquier otra estrella.

 

Screen Test: Salvador Dalí [Prueba de cámara: Salvador Dalí], 1966 Película muda, 16 mm, blanco y negro

The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

 

Los Screen Tests [Pruebas de cámara] de Warhol son películas mudas muy breves, de unos 3 o 4 minutos de duración, creadas entre 1964 y 1966. Con ellas, Warhol aspiraba a retratar la vida de una persona en una película, y explicaba que lo único que quería era encontrar a

«personas geniales» y permitirles ser ellas mismas en la película. Warhol las filmaba durante un rato, y esa era su «película». Pedía a sus modelos que se comportaran de la forma más natural posible, y que se sentaran y miraran al objetivo. Una de esas «personas geniales» que visitaron la Silver Factory de Warhol en 1966 fue el artista Salvador Dalí. Dalí era miembro del grupo de los surrealistas franceses, y su habilidad para autopromocionarse pronto lo señaló como el portavoz más notorio del movimiento. Posó para dos pruebas de cámara de Warhol: la primera se tituló Upside Down Dalí [Dalí boca abajo] y, naturalmente, consistía en una cámara invertida y una representación típicamente surrealista, con Dalí mirando al objetivo con el ceño fruncido y aire autoritario, mientras acariciaba su minaudière de lentejuelas. A la mitad de la segunda prueba de cámara, el altivo artista desapareció y no regresó.

Cow Wallpaper [Papel pintado con vacas], 1966 Tinta de serigrafía sobre papel pintado

The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

Andy Warhol, Facsimile of Cow Wallpaper. Creado por Andy Warhol en 1966. Refabricado por The Andy Warhol Museum, Pittsburgh. Collection of the Andy Warhol Museum, Pittsburgh. © 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / VEGAP

En la retrospectiva de 1971, celebrada en el Whitney Museum of American Art de Nueva York, Warhol utilizó su diseño del Cow Wallpaper como fondo mural para sus pinturas: empapeló las paredes con su bonito y colorista papel de vacas, sobre el que luego colgó las perturbadoras imágenes de Electric Chairs [Sillas eléctricas]. Para su exposición del retrato de Mao en el Palais Galliera de París, celebrada en 1974, Warhol creó un papel especial de lunares morados, el Mao Wallpaper, en el que el rostro del presidente parecía una ciruela gigante. Más tarde, en 1983, Bruno Bischofberger le encargó la creación de la serie Paintings for Children [Pinturas para niños] para su galería de Zúrich, para la cual Warhol produjo su Fish

 

Wallpaper [Papel pintado con peces] de color azul. Comprensiblemente, estos nuevos intereses de orientación eminentemente comercial cosecharon enconadas críticas por parte del establishment artístico estadounidense. Para el crítico de arte David Antin, la muestra de 1966 confirmó que Warhol y el lenguaje pop habían acabado representando una tendencia puramente «banal». No obstante, cuando en 1968 se exhibió Cow Wallpaper en el Moderna Museet de Estocolmo como parte de una retrospectiva europea de Warhol, se recubrió, de forma muy ingeniosa, todo el exterior neoclásico del museo con el motivo del papel pintado.

Mao, 1972

Acrílico, óleo y serigrafía sobre lienzo Colección Josep Suñol, Barcelona

Andy Warhol, MAO. 1972. Colección Josep Suñol, Barcelona.

© 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

/ VEGAP

En 1974, para una exposición celebrada en el Palais Galliera de París, Warhol seleccionó una única imagen del líder comunista chino Mao Zedong, aprovechando la polémica mediática que rodeó la visita a China del presidente Richard Nixon en febrero de 1972. Warhol había leído un artículo de la revista Life del 3 de marzo de 1972, titulado «Nixon in the Land of Mao» [«Nixon en el país de Mao»], que hablaba de la histórica reunión que había asustado a los partidarios de la férrea disciplina de los tiempos de la Guerra Fría, tanto en Estados Unidos como en China. En las pinturas de Warhol, Mao, el despiadado enemigo de la libertad de expresión, aparece relacionado con la libertad, debido al puro virtuosismo de los ademanes pictoricistas y expresionistas que presenta la obra (como una gran franja de color rojo que cubre el típico uniforme del líder). De forma paradójica, Mao forma parte ahora de un alegre homenaje a la libertad artística, el capitalismo, la autonomía política y el espíritu de los valores estadounidenses.

Silver Clouds [Nubes plateadas], 2017 (Realizadas originalmente en 1966) Película de plástico metalizado llena de helio

The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

 

Las Clouds [Nubes] de Warhol estaban realizadas en un material reflectante experimental, fabricado especialmente para el Programa Espacial de la NASA. Como era de esperar, la reacción de Warhol a este material plateado llamado Scotchpak se tradujo en el siguiente comentario: «Vamos a hacer nubes con él». Decididos a evocar la ligereza de los cielos y la ingravidez del espacio exterior, Klüver y Warhol probaron primero con formas de nube, pero el modo en que llenaban el espacio los rectángulos demostró ser mucho más eficaz para representar «pinturas que flotaran». La pasión de Warhol por el color plateado resulta crucial aquí, puesto que el material en sí estaba sin duda relacionado con la estética de la cadena de producción de la Silver Factory de los sesenta. Tal y como apuntó Gerard Malanga en una entrevista concedida en 2009: «Representaba la mecánica de algo […] porque el plateado para Andy encarnaba la máquina». Como explicó el propio Warhol en su libro de 1980 POPism: «El plateado era el futuro, era espacial —los astronautas llevaban trajes plateados—, Shepard, Grissom y Glenn ya los habían usado allá arriba, y su equipo también era plateado. Y plateado era también el pasado: el celuloide de la gran pantalla […] Y, tal vez más que cualquier otra cosa, la plata era el narcisismo, pues los espejos tenían la parte de detrás de plata».

 

The Velvet Underground & Nico, 1967 Litografía offset, collage e impresión en relieve Colección de Paul Maréchal, Montreal, Canadá

 

En 1965, Warhol anunció su retirada como artista para concentrarse en la realización de cine y la música pop. Tal y como él mismo explicó: «La idea del pop, después de todo, era que cualquiera podía hacer cualquier cosa […] por eso, cuando conocimos a The Velvet Underground a finales de 1965, todos estábamos deseando entrar también en el panorama musical». A día de hoy, este rompedor grupo musical está considerado por muchos como la banda más influyente de la historia de la música rock. Sus miembros principales eran los guitarristas Lou Reed y Sterling Morrison, el violinista John Cale, la batería Maureen Tucker y, posteriormente, la cantante alemana Nico. Más tarde, Warhol comentaría: «El estilo de la Velvet consistía en distanciarse de la gente: ¡de hecho, llegaron a tocar de espaldas al público!».

 

Rado DiaStar Anatom, 1987

Litografía offset montada sobre aluminio Colección de Paul Maréchal, Montreal, Canadá

 

En 1980, Warhol habitaba cada vez más en el mundo de la farándula y la moda. Se había convertido en un nombre muy conocido, y se sentía igual de cómodo recorriendo la pasarela en desfiles de moda que aprobando productos comerciales de alta gama. También se codeaba  con diseñadores conocidos, incluidos Halston, Stephen Sprouse y Gianni Versace, que presentaban ropa elegante acompañada de imágenes de Warhol. Tal y como el propio Warhol, gran amante de la moda, reveló en POPism, siempre estaba al corriente de lo último en moda:

«Me encantaba el aspecto de la gente joven del Dom: brillaban relucientes, vestidos con prendas de vinilo, ante y plumas […] y zapatos de charol, y minifaldas plateadas y doradas ceñidas a la cadera, y ese look de plástico fino de Paco Rabanne […]». En los ochenta, el trabajo de Warhol abarcaba algunas de las marcas más emblemáticas del mundo, incluidas Perrier, Dior, Chanel y los relojeros Rado.

 

Exploding Plastic Inevitable [Inevitable plástico explosivo], 2014 (Creada originalmente en 1966)

The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

 

La Exploding Plastic Inevitable (EPI) tuvo su origen en una cena de gala celebrada ante 350 profesionales de la Sociedad de Psiquiatría Clínica de Nueva York el 13 de enero de 1966. Ese acto, que recibió el nombre de Up-Tight [Encorsetado], incluía actuaciones de The Velvet Underground and Nico, junto con asiduos a la Factory tales como Edie Sedgwick y Gerard Malanga como bailarines, y los cineastas Jonas Mekas y Barbara Rubin realizando una performance. Warhol había contratado a estos dos últimos para que orientaran sus cámaras y sus deslumbrantes focos hacia la cara de quienes se suponía que eran los «encorsetados» asistentes, y los acribillaran a preguntas personales sobre su vida sexual. A lo largo de 1966, Warhol y The Velvet Underground estuvieron de gira con el extravagante espectáculo de la EPI por varias ciudades de Estados Unidos. Para la gran presentación de la EPI en la sala de baile Dom de Nueva York, el 31 de marzo de 1966, Warhol publicó un anuncio promocional de media página en The Village Voice: «Ven y alucinarás / La Factoría de Sueños Plateados presenta el primer / ERUPTING PLASTIC INEVITABLE / con Andy Warhol / The Velvet Underground / y Nico». Warhol describiría el espectáculo de la EPI de la siguiente forma: «En el interior, los Velvet tocaban a tal volumen y de forma tan desenfrenada que ni siquiera me atrevería a calcular los decibelios, y se proyectaban imágenes por todas partes, unas encima de otras. Normalmente yo miraba desde el anfiteatro u ocupaba la mesa de proyección, donde colocaba filtros de gelatina de distintos colores en las lentes y teñía películas como Harlot, The Shoplifter, Couch, Banana, Blow Job, Sleep, Empire, Kiss, Whips, Face, Camp o Eat de todo tipo de colores». La EPI dio pie a una explosión conceptual de sonido y movimiento que aspiraba a generar una experiencia corporal de inmersión total, algo que en la actualidad es común entre las bandas de rock modernas.

 

Skull [Calavera], 1976

Pintura acrílica y tinta de serigrafía sobre lienzo Museum Moderner Kunst, Viena

 

La muerte es un tema recurrente en la obra de Warhol y aparece como un símbolo universal del memento mori («Recuerda que morirás») en sus pinturas de Skulls y en Self-Portrait with Skull [Autorretrato con calavera], creadas en la segunda mitad de la década de 1970. En arte, los memento mori son recordatorios artísticos o simbólicos de nuestra mortalidad. En un sentido estrictamente cristiano, son símbolos cuya finalidad es recordarnos el cielo, el infierno y la salvación después de la muerte. En la Skull de Warhol, las sombras que acentúan las cuencas de los ojos y la boca representan la sonrisa burlona de la parca, mientras que las que proyecta la calavera en su conjunto forman el contorno de un bebé o de un feto. Ambas resumen a la perfección la dualidad del nacimiento y la muerte, además de transmitir un concepto cíclico de la vida. Paradójicamente, la serie de sonrientes Skulls de colores vivos de Warhol —rojos, amarillos, verdes, azules, morados y, en este caso, rosa fluorescente— recuerda a las calaveras de azúcar pintadas, un tradicional obsequio en México en el Día de los Muertos.

Hammer and Sickle [Hoz y martillo], 1976 Pintura acrílica y tinta de serigrafía sobre lino The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

 

En 1975, durante un viaje de negocios a Italia, Warhol fue interrogado insistentemente sobre sus Maos y sus propias opiniones políticas. Durante ese viaje, Warhol se topó con grafitis de la hoz y el martillo, un símbolo tradicionalmente asociado al comunismo y a la Revolución Rusa, pero que más tarde fue adoptado por los movimientos de izquierdas italianos en un país sumido en una agitación política generalizada. Cuando se le preguntó por el carácter político de las obras con la hoz y el martillo, Warhol comentó con astucia que los había comprado en una tienda para cortarle el césped a Bob Colacello. En otros casos, Warhol afirmaba que, por razones de equilibrio político, sus obras con hoces y martillos eran símbolos del fascismo.

 

Oxidation Painting [Pintura de oxidación], 1978

Orina y pintura metálica de cobre sobre yeso sobre lienzo

Centre Pompidou, París. Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle

 

La serie de pinturas de Warhol Oxidation [Oxidación], o Piss Paintings [Pinturas con pis], incluía lienzos imprimados con yeso a los que se añadía pintura al cobre y se les aplicaba orina, una vez que la superficie se había secado. El elemento corrosivo de la orina oxidaba el cobre para generar sulfato de cobre, por lo que los iridiscentes lienzos resultantes presentaban distintas tonalidades: amarillos cobrizos, naranjas y verdes exuberantes. Además, las eflorescencias, depósitos y gotas de color conferían también un carácter sumamente físico y sensual a la pintura. Bob Colacello reveló que, cuando Warhol se embarcó en su serie Oxidation en diciembre de 1977, «utilizaba su propia orina», pero, como siempre, no tardó en recurrir a

«asistentes» contratados para hacer el trabajo sucio. Las obras de oxidación tuvieron una acogida sorprendentemente buena cuando fueron mostradas en Europa en 1978, y un escritor llegó a proclamarlas como «Warhol en estado puro».

 

Self-Portrait [Autorretrato], 1986

Tinta de serigrafía y pintura acrílica sobre lino The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

 

Andy Warhol fue una estrella del arte en todos los sentidos, y su imagen es exactamente igual de arquetípica que su arte. Esta composición guarda relación con un conjunto único de impresiones fotográficas en Polacolor conocidas como la serie Fright Wig [Peluca aterradora], de 1986. A lo largo de toda la vida de Warhol, fueron apareciendo autorretratos en cada una de sus disciplinas creativas. El artista hizo referencia a sí mismo de muchas formas que no son específicamente autorretratos, como en sus primeras pinturas pop de anuncios de pelucas y operaciones de nariz. Su implicación más decidida en el género del autorretrato llegó bajo la forma de su electrizada peluca, que insinuaba que Warhol había recibido una fuerte descarga. La búsqueda de su propia imagen llegó incluso a su habitación de hospital, cuando, en 1968, se fotografió a sí mismo en el espejo con el cuerpo lleno de cicatrices y agujeros de bala. La peluca plateada de Warhol —los cabellos suspendidos en hebras— revela a un Warhol más viejo, sumamente autoanalítico y ligeramente frágil. El hecho de que mire directamente al espectador invita a juzgar sus esfuerzos artísticos y su propia vida.

Actividades a lo largo de la exposición

Miércoles 31 de enero de 2018, a las 19.30 h

CONFERENCIA A CARGO DEL COMISARIO DE LA EXPOSICIÓN

El dulce abismo del arte mecánico

José Lebrero Stals, director artístico del Museo Picasso Málaga Precio por persona: 4 €

NOCHE TEMÁTICA

The Gathering. Looking for Warhol

Viernes 13 de abril, a las 20 h

 

«No se llamaba The Factory gratuitamente. Mientras alguien estaba haciendo una serigrafía, otra persona estaba rodando una película. Cada día ocurría algo nuevo.» John Cale, 2002

 

La Noche de Warhol en CaixaForum Madrid seguirá el estilo de las reuniones de Warhol en The Factory, donde la celebración y la creación de obra se fusionaban en  un mismo lugar. No se trata, por lo tanto, de recrear una fiesta inspirada en los años setenta, sino de convocar el espíritu de aquellos encuentros.

 

Se darán cita propuestas musicales junto a acciones artísticas en directo. Además, los asistentes se convertirán en parte de la obra y se crearán varios momentums durante el evento, siguiendo la máxima de Warhol: «En el futuro, todos serán famosos mundialmente por 15 minutos». La propuesta escenográfica que acompañará a la creación visual y las performances será una abstracción del espacio de The Factory adaptado a CaixaForum Madrid.

CICLO DE CONFERENCIAS

Ciclo de conferencias y conversaciones en torno a Warhol
«Nunca quise ser pintor, siempre he querido ser bailarín de claqué»

 

Warhol fue lo contrario a un artista encerrado en su torre de marfil, su proceso creativo se alimentaba de sus relaciones sociales y supo siempre observar y escuchar, nutriéndose de cuantos le rodeaban. Este ciclo de conferencias y mesas redondas se plantea como una aproximación transversal a la obra de Andy Warhol a través de una

selección de ponentes que conocieron al artista de cerca o mantuvieron relaciones profesionales con él en algún momento de su carrera; pero también, explora la vigencia de su legado y su influencia en los procesos creativos de algunos artistas actuales de todas las disciplinas, cine, música, literatura y artes visuales.

 

Ciclo coordinado por Javier Panera, profesor de la Universidad de Salamanca y autor del libro La música de Andy Warhol. Precio por conferencia: 4 €.

 

Jueves 5 abril a las 19.30 h

Nueve días que con(movieron) el mundo del arte. Warhol en Madrid, enero, 1983. Olvido Gara (Alaska), cantante y Rubén Salazar, director de cine y autor del documental Estrellas de Warhol, en conversación con Javier Panera, autor del libro La Música de Andy Warhol (2016)

 

Madrid, Enero de 1983. Un país que comienza a descubrir la modernidad y un galerista, Fernando Vijande, que logra que Warhol viaje a España por primera vez para inaugurar su exposición “Pistolas, Cuchillos y Cruces”. En los nueve días que duró la visita se sucedieron fiestas, sesiones de fotos, visitas turísticas y recepciones con aristócratas y celebridades que aún hoy se recuerdan. Esta mesa redonda reúne a una testigo de excepción de aquella visita, la cantante Olvido Gara (Alaska) que actuó con su grupo en una de las fiestas celebradas en honor de Warhol y al director de cine Ruben Salazar, que se encuentra terminando el documental “Estrella de Warhol” sobre aquellos inolvidables nueve días pasados por el artista norteamericano en Madrid.

 

Jueves 12 abril a las 19.30 h

El lenguaje que él usó. Mirando a Warhol desde la escritura

Victor Bockris, escritor de origen británico, residente en Estados Unidos. Colaborador de Andy Warhol en su revista Interview en los años 70 y 80 y autor de una incisiva biografía del artista (1990) que será llevada próximamente al cine, en conversación con Ignacio Julià, periodista cultural, escritor y autor del libro Feed-Back. The Velvet Undergound: Legend, Truth (2011)

 

Bockris defiende que es imposible comprender la pintura o las películas de Warhol sin analizar a fondo sus contribuciones a la literatura. En la primera parte de su conferencia intentarà demostrar que A: una novela, la película Chelsea Girls y el disco de The Velvet Underground & Nico se basan en un idioma compartido en el que el cine y la música tienen en la escritura y las lacónicas sentencias de Warhol su verdadero aglutinante. Estas obras son la trilogía esencial para dar a conocer al público el funcionamiento de The Factory

a mediados de los sesenta. En la segunda parte de su conferencia se analiza  el libro The Philosophy of Andy Warhol como contrapunto a sus pinturas y películas del mismo periodo concluyendo con una mirada a la vigencia de los textos de Warhol en el contexto actual

 

Viernes 20 abril a las 19.30 h

Asaltando la nevera digital: cómo Andy Warhol predijo internet

Conferencia de Kenneth Goldsmith, poeta, artista visual y fundador de UbuWeb. Editor del libro Andy Warhol. Entrevistas: 1962-1987 (Blackie Books, 2010); en la actualidad prepara un nuevo volumen sobre las entrevistas llevadas a cabo por Warhol en la revista Interview Magazine. Presentación y coloquio conducido por el escritor Eloy Fernández Porta, autor del libro Afterpop. La literatura de la implosión mediàtica (2007)

 

¿Sigue vigente la obra de Warhol en la creación actual? ¿Fue Warhol, con sus prácticas artísticas de caràcter relacional, capaz de predecir fenómenos como Internet o las redes sociales? Kenneth Goldsmith analiza el componente profético de las obras de Warhol y explora la conexión directa entre el postmodernismo analógico del artista y el siglo XXI digital

 

Jueves 3 de mayo, a las 19.30 h

Andy Warhol. La identidad como plano secuencia

Conferencia de Estrella de Diego. Catedrática de Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense, comisaria de varias exposiciones sobre Warhol y autora del libro Tristísimo Warhol . Cádillacs, piscinas y otros síndromes modernos (Siruela, 1999). Presentación y coloquio conducido por Javier Panera.

 

Es bien sabido que Andy Warhol recurre a menudo a representar la propia imagen como fórmula creativa, pero sus trabajos son mucho más que autorretratos. Adelantándose muchos de los artistas de la generación de los 80 y 90 del XX, Andy Warhol conforma en su variada producción -cine, diarios, anuncios, pinturas…- un proyecto autobiográfico de amplio calado que le trasciende, que se conforma, igual que Empire, en un fascinante plano secuencia.

 

CICLO DE PROYECCIONES

Coordinación del ciclo: Àlex Gorina, crítico cinematográfico. Presentación de todas las sesiones: Fernando R. Lafuente, director del Master de Cultura Contemporánea del Instituto Universitario de Investigación Ortega y Gasset. Precio por sesión: 4 €.
Los alter ego de Warhol

Viernes 9 de febrero, a las 19 h

Jackie

Pablo Larraín. Estados Unidos, 2016. 95 min. V.O.S.E.

 

Viernes 2 de marzo, a las 19 h

Nico Icon

Susanne Ofteringer. Alemania, 1995. 75 min. V.O.S.E.

 

Viernes 16 de marzo, a las 19 h

Berlin

Julian Schnabel. Estados Unidos, 2007. 80 min. V.O.S.E.

 

Viernes 6 de abril, a las 19 h

Impressions de la haute Mongolie (Hommage à Raymond Roussel)

Salvador Dalí y José Montes-Baquer. Alemania, 1975. 70 min. V.O.S.E. Con el apoyo de la Fundación Gala-Salvador Dalí, Figueras

 

Viernes 27 de abril, a las 19 h

Le testament d’Orphée

Jean Cocteau. Francia, 1960. 83 min. V.O.S.E.

 

VISITAS A LA EXPOSICIÓN

 

Visita con café tertulia

22 de febrero, 15 de marzo, 3 y 23 de abril a las 17 h

 

Una visita tranquila profundizando en los temas o los aspectos que más le interesen a los visitantes y conducida por un mediador. Una vez terminada la visita, se compartirán impresiones sobre la exposición en una tertulia participativa que incluye material complementario y se acompaña de una taza de café (o equivalente). Con un máximo de 30 personas.

Precio    por    persona:     4    €.     Duración:    2    h.    Grupos:     previa    reserva    en. Precio: 30€/grupo.

 

Visitas comentadas

Lunes 13 h, viernes 17 h / Sábados y domingos 11 y 17 h. Duración: 1 h. Precio por persona: 3 €. Aforo limitado. Horario especial en Semana Santa, 1 y 2 de mayo. Visitas concertadas para grupos. Duración: 1 h. Precio por grupo: 60 €. Reservas:t

Visita en familia

Sábados 16 h. Domingos 12h

 

Únete a una visita especialmente pensada para familias que incluye un recorrido por la exposición y actividades participativas dentro del espacio expositivo. Conducidas por un mediador, las visitas se basan en un tema principal de la exposición que se desarrolla en torno a las obras expuestas. Precio por persona: 2 €. Aforo limitado. Horario especial en Semana Santa, 1 y 2 de mayo.

 

Actividad autónoma: De la fábrica al museo +5

¿Te atreves a crear y a exponer tus propias obras de arte emulando el estilo The Factory, el taller creativo de Andy Warhol? En este taller con apariencia de fábrica encontrarás los materiales necesarios para completar tu proceso creativo, desde la inspiración hasta la exposición. Este es un espacio dentro de la exposición principalmente pensado para el público familiar. En él se propone una actividad que invita a los participantes a explorar de forma creativa y libre alguno de los aspectos de la exposición. Acceso gratuito con la entrada a la exposición.

De lunes a domingo y festivos, de 10 a 20 h

ACTIVIDADES EDUCATIVAS

Grupos:   máximo,   30   alumnos.   Precio   único:    25 €/grupo. Inscripción previa: www.eduCaixa.com. Información.

 

Visitas dinamizadas

Un recorrido por la exposición que propone una aproximación a los contenidos a través de la observación de las obras, el diálogo con los participantes y una serie de actividades prácticas. Grupos: máximo 30 alumnos. Niveles: a partir de 3 º de PRIMARIA y ESO. Duración: 1 h y 30 min.

 

Visitas comentadas

Niveles: ESO, BACHILLERATO y FPGM. Duración: 1 hora. Presentación a profesores: 1 de febrero de 2018, de 17.30 a 20 h

Del 1 de febrero al 6 de mayo de 2018

 

 

 

 

 

 

Horario

Abierto todos los días

De lunes a domingo, de 10 a 20 h

 

Servicio de Información de la Obra Social ”la Caixa”

De lunes a domingo, de 9 a 20 h

Precios

Entrada gratuita para clientes de ”la Caixa”

Entrada para no clientes de ”la Caixa”: 4 € (incluye el acceso a todas las exposiciones)

Entrada gratuita para menores de 16 años

 

Venta de entradas CaixaForum.com/agenda Entradas también disponibles en

CaixaForum en horario de atención al público